Влияние Поп-арта на концептуальное искусство

Эпоха удовольствий, послевоенного достатка, сексуальной революции дала невероятный толчок искусству. Люди начали замечать эти удовольствия, тяжелая работа уходит на второй план, важнее «рок-н-ролл, поп-корн и кока-кола».

Движение поп-арта неразрывно связано с культурой того времени, культурой потребления, масс медиа, рекламы, оно является ответом расцвету абстрактной живописи послевоенного времени, которая призывала к погружению в мир фантазий, к уходу от реальности, и модернизма, заглядывающего внутрь души художника, стремящегося к выражению индивидуальности.

Так, например, заметное влияние комикса проявляет себя на многих работах Роя Лихтенштейна. Четкие черные контуры, яркие цвета, имитация печати.

Так, одним из первых произведение этого течения стала работа Ричарда Гамильтона «Так что же делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?». Она выполнена в популярной для этого направления технике коллажа, в качестве постера для выставки «Это — Завтра» и представляет собой с юмором созданное олицетворение мечты британского гражданина тех времен.

Однако, это исследование прежде всего рассказывает о влиянии поп-арта на другие течения искусства. Помимо уже позже появившегося течения «Нео-поп», которое скорее следует считать объектом эволюции поп-арта, последний оказал влияние на такое течение как концептуальное искусство, рассмотрим его подробнее.

Массовый, доступный поп-арт вдохновил творцов к созданию чего-то действительно элитарного и, вследствие этого, к выстраиванию принципиально других отношений между зрителем и произведением. Теперь зритель сам вкладывал смысл в произведение, или по крайней мере пытался, а художник все более размыто оформлял свой замысел.

Одними из первых стали показывать эту тенденцию работы Марселя Дюшана, часто представлявшие собой объекты обыденности.

Так называемые, «реди-мейды» (от англ. ready-made от ready «готовый» и made «сделанный»), представляющие собой объекты, которые изначально не имеют своей художественной ценности, они были созданы для другого. Однако, попадая в контекст созданный художником, становятся произведениями искусства, задавая немой вопрос зрителям о том, что на самом деле стоит считать «искусством».

В Концептуализме искусство и «неискусство» смешаны, авторы уходят от привычного образа картины или скульптуры предпочитая им инсталляции и перформансы. Художники выводят зрителя из зоны комфорта: упаковывание собственных фекалий в консервные банки, чучело акулы в формалине, манекены и скелеты животных невероятных размеров.

Говоря о схожести этих двух направлений, следует сказать, поп-арт предполагает смешение массовой и элитарной культуры, сомнения определения искусства. Так, это проявилось в объекте концептуального искусства, инсталляции Джозефа Кошута «Один и три стула» 1965 года. Данная инсталляция представляет собой стул, фотографию стула и статью по теме «Стул». Она предлагает сравнить зрителю эти объекты, утверждая о субъективности метода его мышления, сформированного различными медиа.

Работы того же автора, леттеринг из неоновых трубок, представляет собой концепцию дематериализации искусства, отказ от представления зрителю обыденного изображения объекта.

Как и в поп-арте, в концептуализме мысль представляется главнее формы и визуала, сродни рекламе, самое важное — идея.

Так, один из основателей поп-арта, Том Вессельман в своей серии «Великие Американские обнаженные», изобразил множество девушек в нескромных позах, на фоне которых часто мелькает американский флаг. Однако совсем не сексуализированность женских тел и не их объективизация сподвигла автора на создание этих произведений.

Например, на изображении выше можно четко увидеть безликость героини. Тонкие полоски от загара, ведь в каждом американском доме обязательно должен быть бассейн, красные губы, блондинистые волосы (популярны тогда среди джентльменов по сравнению с другими) — идеальный набор идеальной американской девушки тех лет. Аналогия заметна не сразу, однако здесь также как и у Джозефа Кошута прослеживается дематериализация искусства, ведь ее основой является главенство смысла над объектом изображения.

Произведения обоих стилей часто построены по принципу иронии. Так и здесь, помимо излюбленного поп-арт художниками принципа гиперболы, неестественного увеличения объекта обыденности, в данном случае печати, мы можем увидеть на объекте «FREE» (с англ. — «свобода»), однако действительна ли эта свобода на самом деле или же это лишь официально утвержденное понятие?

Популяризация звезд кино, музыкантов, сделала их самих частью массовой культуры, что натолкнуло автора к созданию целой серии работ посвященных им. В своей работе Энди Уорхол оставил лишь характерные, узнаваемые черты актрисы, пренебрегая деталями и изъянами, что позволило создать наиболее узнаваемый образ. Так, картина «Мерилин», выполненная в технике шелкографии изначально имела золотой фон, что отсылает нас к религии. Автор превозносит актрису, напоминая, «что теперь боги обитают в Голливуде».

Говоря о концептуальном искусстве и в целом об искусстве второй половины XX века, нельзя не упомянуть о формировании такого явления как перформанс, который активно начал развиваться именно в то время и стал популярным атрибутом концептуализма. Он также стал ответом на поп-арт, как доказательство элитарности искусства.

Во время этого перформанса Марина Абрамович и Уве Лайсипен сидели в таком положении много дней по 16-17 часов. Таким образом от стойкости одного из партнеров всегда зависел комфорт другого, в чем и скрывается замысел перформанса.

Перформанс, в оппозицию устоям поп-арта, часто создает героя из автора произведения, с которым зрители иногда могут даже провзаимодействовать, в то время как поп-арт признает техничность искусства и ставит под сомнение личность художника, примером чего служат точки, которые ставили на своих работах в качестве текстуры дешевой печати некоторые авторы.

Концептуальное искусство, прежде всего, — высказывание, с иронией или без, обращение внимание общества на ту или иную проблему. Это расходится с многими идеями поп-арта, предполагающего материализацию и стандартизацию произведений искусства.

Один из первых созданных перформансов под авторством Йозефа Бойса «Как объяснить картины мертвому зайцу?» не предполагает активного участия зрителей в нем, однако погружает их в атмосферу совершенно другого мира, выводит из рамок повседневности.

Джозеф Бойс эпатажен, его голова покрыта медом и золотой фольгой, пока он, перемещаясь от картины к картине «объяснял» трупу зайца те самые картины.

Художник здесь — главный герой, он уподобляет себя святому, шаману, просветленному за счет символики использованной им золотой фольги. Таким образом, можно сказать что перформанс передает замысел посредством действий.

Рассматривая одну из работ практически основателя поп-арта, Энди Уорхола, уже можно заметить некое политическое высказывание, мысль о нематериальном представленная материей, прообраз инсталляции. Работа «Маленький электрический стул» из серии «Смерть и катастрофы», созданная в технике шелкографии, крайне эмоциональна. Автор использовал снимок 1953 года из газеты. Судили Джулиуса и Этель Розенберг за шпионаж в пользу Советского Союза. Произведение отражает проблемы общества, «уродства человечества», подобные мотивы, в основном, преследовали и концептуалисты.