Лиможская эмаль: что это и как она менялась спустя века.

Существует множество различных искусств, которые стремятся передать чувства, идеи и эмоции творцов через свои творения, посредством слов, красок или иных инструментов. Одним из старейших способов изобразительного искусства является эмалевая живопись, также известная как энкаустика или работа с горячей эмалью. Она появилась ещё в глубокой древности, около IV–III веков до нашей эры. Первые известные образцы найдены в Египте, Греции и Риме, где использовались горячие восковые красители, смешиваемые с пигментами, и накладываемые на металлические поверхности, дерево или камень.

Однако классическая форма эмалевой живописи, которую мы знаем сегодня, начала развиваться значительно позже, особенно активно в Средневековье. Центром развития этой техники стала Европа, где наиболее известной школой была лимужская школа во Франции (XII–XVII вв.). Эта традиция распространилась и на другие регионы, такие как Германия, Италия и Россия. В данной работе я бы хотела рассмотреть эмалевую живопись именно с классической стороны — в технике Лиможе. Проект будет построен следующим образом. Первая часть состоит из пояснения того, что из себя представляет Лиможская живопись и какие художественные произведения создавались с помощью этой техники. После этого мы рассмотрим разные периоды расцвета Лиможской живописи и проанализируем, как изменилась техника и повествовательные сюжеты произведений.

Лиможская живопись по эмали — это техника эмалирования в декоративно-прикладном искусстве. В периоде с 12 по 14 век лиможские мастера работали в технике выемчатой эмали: когда на поверхности металлической, чаще всего медной, пластины вырезались или выжигались выемки, которые после этого заливались стекловидной эмалью. Стоит отметить, что заливка эмали — процесс, состоящий из нескольких этапов. Разные цвета эмалевого порошка нуждалась в разной температуре запекания. Поэтому пластину, с нанесённой на ней эмалью приходилось обжигать после нанесения каждого слоя эмали. Во второй половине 15 века лиможские мастера уходят от выемчатой эмали и переходят к расписной. Своё название данная разновидность декоративно-прикладного искусства получила благодаря городу Лиможе, который в 12 веке был крупнейшим и самым известным центром по производству изделий со стеклянной эмалью.

Первые предметы искусства, выполненные в стиле Лиможской эмали, чаще всего носили религиозный характер. Скорее всего росту промышленности Лиможе и его репутации в 12 веке во многом поспособствовал монашеский религиозный орден гранмонтинцев, главный монастырь которого, Гранмон, находился за пределами города. Считается, что в самом аббатстве Гранмон не было мастерской по производству эмали, но вместо этого они покровительствовали светские мастерские в Лиможе. Другими факторами, способствовавшими распространению славы Лиможа, были то, что Лимож находился на главном паломническом маршруте в Сантьяго-де-Компостела, а также то, что ему покровительствовали рыцари-тамплиеры. Данные факторы способствовали тому, что религиозные переплёты (или переплёты-сокровища) изготавливались в большом количестве на протяжении периода с 12 по 14 век.

В середине 15 века в период эпохи Возрождения появляется техника расписной эмалевой живописи. Благодаря ей у художников появлялось больше простора для творчества. Новая техника позволяла создавать изделия, расписанные очень детализированными сюжетными сценами или декоративными узорами. Сюжеты, как правило, брались из классической мифологии или аллегорий, хотя в них встречаются и религиозные сцены, часто из Ветхого Завета.

Однако, несмотря на горизонт новых возможностей, постепенно Лиможская эмаль начала постепенно терять популярность. К 1580 году этот стиль, по-видимому, вышел из моды, и Бернар Палисси, создатель дополняющего его стиля в керамике, писал, что «их искусство стало настолько дешёвым, что они едва могут зарабатывать на жизнь». Производство продолжалось и в XVII веке, но качество изделий после первых десятилетий снизилось. В XVIII веке роль предметов роскоши из эмалированной посуды в значительной степени перешла к европейскому фарфору, но после некоторых технических усовершенствований роспись по эмали стала широко использоваться для небольших портретных миниатюр, которые до этого были английской диковинкой.

Как уже было указано выше, с появлением и развитием расписной эмали работы Лиможской живописи стали выглядеть сложнее и интереснее по содержанию. Рассмотрим на примере двух художнков-эмальеров, как выглядели работы в новой усложнённой технике и как по новому они передавали сюжеты.

Леонар Лимузен был самым известным из семи художников-эмальеров из семьи Лимузен, чьи подписанные и датированные работы датируются периодом с 1532 по 1574 год. Творчество Леонара можно разделить на две категории: эмалевые портреты и изображения с религиозными сюжетами. Уникальность его работ заключается в передаче насыщенных цветов и изображении изящными узорами в гризайль на чёрном или ярко-синем фоне. Так же художнику удаётся грамотно расставить композицию в своих работах, выделяя главное в центре, а по бокам оставляя дополнительный сюжет

Пьер Реймон —французский художник по эмали, чьи работы выполнены в технике полихромной эмали или же в технике гризайль. Творческая активность приходится на период с 1537 по 1578 год. Большинство его произведений нанесены на тарелки и блюдца, а на них чаще всего были изображены религиозные, мифологические или крестьянско-бытовые сюжеты. Края посуды Пьер обычно украшал витиеватыми узорами, добавляя туда необычных мифических существ. Но из-за однообразности и повторяемости узора взгляд зрителя сосредотачивался не на краях посуды, а на центре, где происходил весь основной сюжет. Из-за мрачных полихромных цветов сюжеты его изделий приобретали мрачный и таинственный оттенок, что для работ с религиозными или мифологическими мотивами создавало больший эффект загадочности.

Несмотря на то, что со временем Лиможская живопись потеряла популярность, это не значило, что данная техника исчезла совсем. Во второй половине 19 века интерес к средневековым ремёслам пробудился благодаря романтизму и историческому стилю. Мастера активно изучают старые техники, постепенно возрождая искусство Средневековья и эпохи Возрождения. Однако, по прошествии многих лет, естественно, тематика старых сюжетов уходит на задний план. И теперь на смену религиозных и мифических сюжетов приходят светские композиции — портреты, пейзажи и простые бытовые сюжеты. Также новые методы обработки эмали и новые материалы позволили художникам добиться новых более ярких цветов, что позволило создавать эффекты многослойности и глубины. Ну и влияние новых течений, как кубизм, футуризм и абстракционизм не могли обойти бесследно Лиможскую живопись. На примере двух художников 19-20 века предлагаю рассмотреть эти изменения в старой эмалевой технике.

Камиль Форе — французский художник-эмальер, известный своими дизайнерскими работами для Лиможской фарфоровой компании в Лиможе. Его работы выполнены в стилях ар-нуво и ар-деко. Эмалевые изделия Форе отличались своими необычайно яркими и насыщенными цветами и рельефными изображениями, что выделялись своей тактильностью и визуальной красотой.

Леон Жуо — французский художник, эмальщик, акварелист и пастеллист. Для его работ характерно содержания стилизованного стиля ар-деко, насыщенные цвета и чёткие контуры, из-за чего герои и сюжеты его эмалевых картин ощущаются яркими и живыми.

Развитие и многочисленные изменения Лиможской живописи демонстрируют эволюционный путь от ремесленных техник позднего Средневековья до сложившихся художественных традиций эпохи Возрождения и Нового времени. Таким образом, мы можем заключить, что Лиможская живопись прошла сложный путь от простых церковных украшений до утонченных произведений искусства, отражающих культурные, технологические и экономические перемены своего времени.