Экспериментальная музыкальная композиция: от авангарда к настоящему

Музыка, как и другие виды искусства во всех его проявлениях, была и является до сих пор инструментом самовыражения, композиторы вкладывали в свои произведения частичку себя, свои идеи, виденье и чувства. За последние сто лет музыка сильно менялась, появлялись новые направления, жанры, инструменты — развитие не стоит на месте.

В наше время существует огромное множество инструментов для создания музыки, начиная с искусственного интеллекта и различных приложений, заканчивая студиями звукозаписи с новейшим оборудованием и электронными инструментами. Простор для творчества и музыкальных экспериментов сейчас огромен и творцы с энтузиазмом пользуются всеми доступными технологиями. Концерты становятся перфомансами, звучание приобретает новые краски.

Классическая музыка следовала строгим правилам, композиторы были привязаны к ограниченному количеству ресурсов, была необходимость следовать строгим правилам и структурам композиций, теории музыки, придерживаться канонов. Создавая что-то новое и непривычное, композитор имел опасность столкнуться с критикой и непринятием.

С появлением таких жанров, как, например, джаз, у музыкантов появилась большая свобода, правила постепенно переставали пугать творцов и отходили на второй план, произведения становились свободнее, интереснее, гармония начала приобретать новые краски. Искусство начало стремительно развиваться во всех областях: живопись, промышленный дизайн, литература, архитектура, и, конечно же, музыка. В 20 веке композиторы начали использовать самые необычные инструменты для воплощения своих идей, от акцента на тишину до хаотичного шума, причём не обязательно от музыкальных инструментов.

Так как же вела себя музыка в те или иные периоды, как одни идеи перетекали в другие, какое влияние произведения прошлого оказывают на произведение современных авторов и какие идеи и методы используются до сих пор? Чтобы создавать что-то новое и уникальное в настоящем, надо понимать, какой путь прошло искусство чтобы прийти в нынешнюю точку, какие нюансы могут быть, что следует взять за пример, а что отодвинуть на задний план.

Далее, мы рассмотрим разные композиторские техники, нововведения, необычные взгляды на музыку и творчество, необычные исполнительские практики, а так же то, как это все менялось от эпохи авангарда к настоящему. Будут затронуты последовательно разные временные этапы и их самые значимые события. В основе исследования лежат различные статьи, книжные издания, которые затрагивают данную тему, а также аудио и видео записи выступлений, интервью с композиторами и пр.

Футуризм в музыке — направление, возникшее в начале 20 века, вдохновением для которого послужила индустриальная эпоха.

Последователи футуризма широко использовали в своих работа шум машин, лязг и удары метала и пр. Их цель — создать звуковой язык будущего, звуки механизмов и городов.

Одна из ключевых фигур — Луиджи Руссоло: Создал огромное множество машин, издававших различные звуки, которые в последствии были использованы в его композициях.

Дадаизм был несколько схож с футуризмом. В основе данного направления лежала хаотичность, нацеленность на эффект шока, отсутствие грани между музыкантом профессионалом и любителем, хаос, абсурд.

Направление возникло как реакция на ужасы Первой мировой войны.

Дадаисты активно использовался шум машин, неожиданные крики, лязги, удары, необычные «немузыкальные» звуки, целью которых было вызвать нестандартную реакцию у аудитории.

Серийная техника в музыке — это техника создания композиций, в основе которых лежит ряд из неповторяющихся звуков, которые реализовываются в различных направлениях движения (прямое, инверсия и пр.), серия звуков непрерывна.

Додекафония — разновидность серийной техники, разработана австрийским композитором Арнольдом Шёнбергом в 1920х годах. Здесь в основе произведения лежит звуковой ряд из 12 неповторяющихся тонов, равных между собой по значению, нет тяготения, устойчивых и неустойчивых ступеней.

Подготовленное фортепиано — инструмент, между струн которого расположены различные предметы (вроде шурупов, гаек и пр.) так, что при игре на нем звучит не просто звук клавишного инструмента, но и как будто бы целый ансамбль ударных. Разработал данный «экспериментальный инструмент» Джон Кейдж. Из-за размеров сцены, на которой танцевала его труппа, разместить достаточное количество музыкантов не представлялось возможным, что и сподвигло его создать фортепиано «2 в 1».

Таким образом, авангард заложил несколько направлений эксперимента, в их числе шум как элемент музыки, упор на структуру (додекафония) и концептуальное искусство. Это дало толчок в новым прорывам в области экспериментальной музыки и возможность для дальнейших прорывов.

Алеаторная музыка — это направление, при котором в некоторых частях остается некая «неопределенность», автор «досочиняет» произведение в процессе игры. В 20 веке это направление стало актуально в связи с тем, что люди стали видеть, каким непостоянным, изменчивым и непредсказуемым является окружающий мир.

Один из ярких примеров — соната № 3 Пьера Булеза. Ноты для данного произведения занимают несколько страниц, которые исполнитель может играть в любом порядке по своему усмотрению.

«Четыре минуты тридцать три секунды» — произведение Джона Кейджа. Концепция данной композиции достаточно интересна и имеет право быть рассмотрена отдельна от остального материала. Она состоит из трех частей, первая длится 30 секунд, вторая 2 минуты и 23 секунды и третья — 1 минута 40 секунд. В сумме длинна произведения равна 4 минутам и 33 секундам. Состав исполняющего ансамбля может быть вольным, на протяжении всего произведения музыканты молчат.

По задумке автора, музыкой в данной композиции будут являться тишина, шум, шепот и другие звуки или их отсутствие, услышанные во время данной композиции.

Графическая нотация — это вид записи музыки на бумаге, при котором автор выходит за рамки традиционной нотной записи, с которой она может быть использована как совместно, так и отдельно. Если автору не хватало обычного формата для передачи своих чувств, мыслей, идеи, он прибегал к данному способу. Популярность графическая нотация приобрела в 1950-х, при этом такая запись часто подвергалась влиянию тенденций в области изобразительного искусства.

Несколько примеров использования данного вида записи:

— Пиктограммы Данный вид записи представляет собой реальные рисунки, маленькие карикатуры, привязанные ко времени. Они показывают когда и каким образом должен действовать исполнитель.

— Линейные нотоносцы Здесь человек видит лишь примерный регистр исполнения ноты, должна она быть выше или ниже, точный же звук определяется самим исполнителем

— Абстрактное представление мелодии Отличный пример — произведение Ханса Кристофа Штайнера «Solitude».

Конкретная музыка — вид авангардной музыки, в которой для создания композиции автор использует звуки окружающей среды. Здесь он является в большей степени режиссером произведения. При создании такой музыки полученные звуки могли растягивать и делать длиннее, обрезать, воспроизводить задом наперед и пр.

«Песня отроков», написанная в 1956 году Карлхайнцем Штокхаузеном является по сути своей первой электронной музыкой. в 1954 году Штокхаузен загорелся идеей написать церковную мессу, в которой он сможет соединить электронные звуки и голос человека.

Примерно в 1960х композиторы устали от избытка звуков в произведениях, огромное количество шума, электронная музыка, какофония отходили на второй план. Ла Монте Янг написал «Триаду для струн», одна первых ярких композиций минимализма, написана для скрипки, виолончели и альта. Данное произведение состоит почти полностью из длительного воспроизведения нот и пауз и несет в себе достаточно «статичный» характер звучания. Длительность произведения около часа, ниже можно прослушать небольшой фрагмент из «Триады для струн».

Таким образом, в период с 1950е по 1980е года, одними из самых интересных направлений экспериментальной музыки были минимализм (малое количество звуков, акцент на процессе), алеаторная музыка (случай и импровизация), а также конкретная и электронная музыка (акцент на материале). Граница между исполнителем, автором и слушателем размывается, зритель сам должен был замечать изменения, подмечать детали, а иногда и невольно участвовать в исполнении.

В 1980х в ответ на ранее возникший в музыке минимализм, появляется новое направление — новая сложность. Здесь каждый такт переполнен символами, произведения практически невыполнимы, сложность исполнения зашкаливает.

Характеристики данного жанра: — высокая сложность, огромное количество нот, материала для исполнения, перегруженная нотация — микро тональности и атональности — полиритмы, сложные ритмические рисунки

В то же время развивается и направление спектральной музыки. Здесь автор смотрит на звук с физической точки зрения. Это настоящий научный подход в создании композиций. Он разбирает его на составляющие, микро и макро элементы. Так, например, одна нота состоих из множества обертонов, громкость каждого из них, скорость затухания и пр. Все это превращается в партитуру для целого оркестра, где музыканты демонстрируют весь спектр звучания представленной ноты.

В середине 1990х годов появляется такая разновидность экспериментальной музыки как Глитч. Это музыка, которая рождается из сбоев и неполадок. Она противостоит идеалу цифровой чистоты. Намеренное использование звуков ошибок и багов лежит в основе Глитча. Музыкант создает нарезку из записей, превращает их в аудио сэмплы. Активно используются различные эффекты по типу дисторшена, различных видов синтеза и пр. Глитч отлично сочетается с другими жанрами по типу техно музыки, ambient и другими, помогая им раскрываться, сохраняя главную черту, непредсказуемость. В такой музыке мы буквально слышим «дыхание» механизмов, то, как живёт цифровое пространство.

В наше время набирает популярность музыка, созданная с помощью искусственного интеллекта. Всё, что нужно для создания трека — прописать подробный промпт с инструкциями для ИИ. В более продвинутых программах композитор может уточнить, в какой тональности должна быть композиция, дать уже готовую гармонию на обработку, вставить свой текст, голос или записанные фрагменты. Теперь музыку может создать даже далекий от этого человек, однако встаёт вопрос, в какой момент музыка, сгенерированная с помощью ИИ перестаёт быть бездушной копиркой и плагиатом чужих работ, на которых искусственный интеллект обучался, и превращается в настоящее произведение с собственной душой, идеей и смыслом.